Yama_Blog
デザイン学科絵画コースを題材としたブログです。山口先生の考え方やスクーリングの様子などを掲載しています。
作品の素材を自ら積極的に求め歩くことはない、むこうからやってきたものを素材にして作品が出来ていく。作品をつくる時には、何を表現しようとか、どんな作品にしようとかということは考えない。時間によって変化した素材のあるがままの表情を活かしたい…。
作家のそんな話を聞きながら、最近読んだある本に書いてあったことを思い出していた。世界の様々な創世神話には3つの性格がある。それは「なる」と「うむ」と「つくる」である。「つくる」というのは旧約聖書のように唯一絶対神がすること。日本の神話にはその発想はなく、すべては「なる」か「うむ」によって生じている、というようなこと。私の解釈だが、何かを「作る」ということは人為人工の話。まず主体が存在し、その主体による意志、何らかの目的、意図を実現すべく、しかるべき技法を用い、しかるべきプロセスによってモノを生じさせること。これに対し「なる」とは、いわば自然現象の在り方。自然には心も意志もない。何か目的や意味があってものを生じさせるわけではない。ただただそこにあるもの、そこに働く力、作用によって自ずから生じたもの。
こんなことを思い出しながら、作家の話を伺っていると、はたして、この作家の手によって生じた、このモノたちは、果たして「作られた」ものといえるものなのだろうか、「作品」と呼んでよいものなのか、そんな戸惑いを覚えた。それらの作品のそのような出自はむしろ「なった」と表現するのがふさわしいのかもしれない。
「作る」とは人間にのみ許された活動である。どんなモノであれ、人間はそれが現れることで変わるであろう未来を想像しながら作る。そのものがもたらす未来を信じ、期待に胸をふくらませながら人間は何かを作りつづけている。それが人間としてのアイデンティティであり、人間としての尊厳である。その意味で作品は、どんな作品であれ、どのような作者の意図によって作られたものであれ必ず未来へ向けられたものである。このことに違いはない。山本氏の作品の在り方や制作においてもそれは変わらない。しかし、それにしても私がその一連の作品から感じるものを一言で言うなら「過去」である。その過去とは思い出とか、郷愁とか、そういった意味合いの過去ではない。素材が選ばれ、今こうして展示されているその姿になるまでの時間、という意味合いでの過去。「選ぶ」「バラす」「並べる」「つり下げる」「組み合わせる」「破く」「貼る」等々。作品の佇まいのうちに自ずと醸し出される、作家と素材が関わったそれらの行為とそれを包みこむ時の流れ。そして作品の誕生の瞬間。
「つくる」とは、何もしなければ眼に見えない、耳に聞こえない、心の中に潜む想いにカタチを与え、眼に見えるように、耳に聴こえるようにすること。心の中に浮かんだビジョン、それを行動に移し、道具や材料といったモノと関わりながら、世界に働きかけていく。できあがったモノは、ある意味では、作り手の心にあるものを運ぶ器にすぎない、という言い方もできる。こんな言い回しをするとなにか特別なものの在り方に聴こえるかもしれないが、決してそうではない。普通のモノの在り方である。モノとは、それが何らかの目的のために作られたのならば、そういうものなのである。しかしここにそれとは真逆のプロセスによって生み出されたモノ、存在するモノがある。「なる」もの。世界の中に在る。そこで出会う様々なモノ。特に意図があるわけでなく、ただただそれらのモノに触発され、それらが道具となり材料となり、何かがカタチをなしていく…その営み、行為を通じ自ずと何かが感じられる、それらが積み重なって心になっていく、想いが芽生える…。意図や目的の束縛を受けないイマジネーションは自由に羽ばたく。山本氏の作品とはそのように「なる」ものなのだろう。
以前は絵画を制作していたころ、今とは違い材料や道具そしてテーマを積極的に求めていた。しかしその中で「自分の作品」「自分のすべきこと」という手応えが得られなかったという。今のように、素材や技法に対し、ある意味受け身な今の制作のほうが、自分らしさを模索していけるとのこと。
果たして私の手は意志をもつのだろうか。私の手は未来を考えるのだろうか。私の眼は?耳は?未来に向けて何かを発信しようとするだろうか。知性は未来をイメージする。今ここのことではない世界をイメージできるということは、今ここにある現実ではないことをイメージできるということ。それはすなわち噓をつけるということ。虚構を作ることができるということ(世界についても自分に対しても)。そして人間である以上、こうした噓、虚構を切り離して存在することはできない。信じることも、夢見ることも、つまりはそこから生まれてくるものなのだ。しかし、それでもなお。人間は「ありのまま」「あるがまま」の自分との出会いを夢想する。透視図の消失点のように、どこまで近づいても触れることはできないとわかっていても。
私ごとであるが、以前「誰カガ私ヲ作ッタヨウニ、私モ何カヲ作ロウト想ッタ」というタイトルの個展をしたことがある。シルクスクリーンでドーナツ型の模様をちりばめた布を宇宙と見立て、その布が材料となっていろいろな作品が生まれてくる。その中心にはその布を使い、私自身の身体から型紙をおこして作った私の等身大の縫いぐるみがある、というものである。今から思うと、我ながら理屈っぽいなあと思うが、それでも、その制作を通じ、私はさまざまにモノが生じるということ、そして自分が存在することへの想いを馳せた。
私のこの極めてコンセプチュアルな個展と、山本氏の何も考えらしい考えをもたずに臨む制作。表現の在り方としては真逆である。しかしそれは、意図的か無意識かの違いだけであり、自らの存在の消失点にたどりつこうとする営みであるという点で全く同じものだったのではないだろうか、私にそんなふうに感じられる。強く。
私の手が、私の眼が、その届く範囲にある素材によって、その赴くままに何かを生み出して行く。その作品が「なる」ように私も「なり」、その作品の「在る」ように、私も存在する。そしてその作品のように世界と関わりを持つ。その作品を生じさせたその同じ世界に私も生まれ、作品が生まれた「今」「ここ」は、作品とともに私がもう一度生まれるための「今」「ここ」だったんじゃないかと。作家と作品の関係、作家が作品を作り続けることの根源にあるもの。そんな想いに誘ってくれた山本氏の展覧会であった。
展覧会は2月5日(日)まで
名古屋市東区葵2-3-4三光ビル1F
ギャラリー フィール アート ゼロ
http://www.life-deco.net/
(アドレスをクリックするとギャラリーのホームページにリンク)。
佐藤貢氏は、オーストラリアの原住民アボリジニの「手ぶらで砂漠を旅をする。必要 なものはおのずと向こう側から来る」という言葉に啓示を受け、絵具を買うことをやめ、家の近くの海岸で拾い集めた漂流物で作品を作るようになった。流木のようにインテリアや家具として利用できるようなものではなく、もう「ゴミ」としか呼ばれないもの、何の役にも立たないものに惹かれる、と佐藤氏は言う。海を漂い、潮にもまれ、陽に晒される中で、目的や意味、価値といったものまでもどこかに洗い流してきたモノたち。
こんな話を聞かせてもらった。ある人が作品の材料にと、古い時計の部品、歯車を佐藤氏にあげようとしたところ、「この部品は、まだ古い時計の修理に使うことができる」と言って受け取らなかったそうだ。佐藤氏の眼には、まだ利用価値のあるものは漂流物として写らなかったのかも知れない。
そんな作品の中に数点、蝶の標本を素材にした作品があった。聞くとそれはギャラリーのキュレータ正木さんの持ち物だったもので、ガラスが割れくちゃくちゃになり、それでも捨てられずにとっておいたものを佐藤氏が見つけて作品にしたとのこと。佐藤氏が海岸の漂流物を拾っていたのは和歌山県で海の近くに住んでいた時のことであり、名古屋に来てからはこのように名古屋の街の中で見つけたもので作品を制作しているそうだ。「海岸に行こうと思えば30分もあれば行けるが、でも行かない」と佐藤氏は言う。なるほど、「必要なものは自ずと向こう側から来る」、こちらからは出向かないということか。恐らく佐藤氏にとっては街で見つけたものも、社会や時代という海を漂った末にそこに漂着した漂流物なのであろう。
当然ながら海岸と街では、得られる漂流物も 異なってくる。それを使って作られた作品も自ずと変化するであろう…と思いきや、使う漂流物の異なりがそれほど作品の様相の異なりとなって現れているわけではない、というのが私の印象である。しかし、漂流物の在り方が作品制作にほとんど関係ないということを言おうとしているわけではない。このあたりのニュアンスを伝えるのが難しい。
佐藤氏の作品は、よくあるような漂流物そのものを見せどころとするような作品、漂流物の持つ魅力に依存するような作品ではないということ。ボックス・アートで有名なジョセフ・コーネルという作家が いる。ボックス・アートとは箱の中に、いろいろなモノを寄せ集め、組み合わる表現方法である。(ジョセフ・コーネル・ウェッブミュージア参照)(http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cornell/)
一見、同じような考え方で制作に臨む作家のように思われるが、モノの扱い方に対する考え方はある意味真逆である。
コー ネルの作品において、モノたちは、あたかもボックス(箱)という舞台でそれぞれの個性と持ち味を発揮しながらお芝居を繰り広げる登場人物のようである。これと比べるなら佐藤氏の作品に使われるモノ達にその華々しさはない。華々しさがない、というよりも役割が全く違う。佐藤氏の作品において漂流物は言わば材料、部品という扱い、そのように私には思われる。さて、こう書くと、コーネルのほうが、モノをしっかりと活かした作品制作をしている、佐藤氏にあってモノ (漂流物)は重要視されていない、と言っているように思われるかもしれない。しかしそうではない。どちらの作家にとってもモノは等しく重要な意味を持っている。ジョセフ・コーネルにとっては作品の内容、見せるものとして、佐藤氏にあっては氏の制作本能を刺激し、制作活動を誘発するものとして。
赤い糸、海岸で拾った釣り糸が使われた作品 がある。何本もあるように見える糸は、実は一本の糸の撚りを解いて分かれさせたものだとのこと。「面白いアイデアだ」と言う人があるかもしれないが、私はそれを「アイデア」だとは思わない。佐藤氏もどうしてそうしたのか考えがあってのことではない、と言った。そのとおりだと思う。糸を見つめる、その糸が実は何本かの糸が撚り合わされてできていることに気づく、解いてみたくなる…新雪があれば踏みたくなる、缶があれば蹴りたくなる、時計があれば分解したくなる、それと全く同じ衝動、本能なのだ。全く無意味な営み。解いてしまったものをどうしよう、そこから始まっていく…。誤解を恐れずにいうなら、氏の作品は ゴミという価値や目的を失ったモノの集まりを、意味のない営みによって組み立て上げたものなのだ。そしてだからこそ立ち昇ってくる何かがある。「何か」で ある。この何かを今性急に言葉にしようとは思わないが、それを感じることができるのが、作品の造形性に現れる、その圧倒的な造形への意志(あるいは本能) である。
過去の作品の図版を見ると、展覧会毎に作品の傾向に変化あるものの、モノを造ることへの執着というか、その営みの内に埋没しどこまでも触発を続けていくかのような姿を感じることができる。「無意 味」であることが大いなる「意味」となって作家を制作へと突き動かすのであろう。制作の仕方そのものはそれほど計画的ではないのかもしれないが、そこには 自ずからなる、一貫し揺るがない作者の造形のスタイルを見て取ることができる。
ア フォーダンスとは、環境が動物に対して与える「意味」、行動を誘発する要因となること。しかし決して環境に対して全くの受け身なのだということを意味する わけでもない。受け取る主体が何者であるのか、どのような能力を持っているのかによっても意味は異なり、誘発される行動も違ったものとなってくる。まさに 佐藤氏の表現にそのひとつの具現を見る想いがした。同じ作品制作に携わるものとしてうらやましくなるほどの健全なアフォーダンスの在り方を。
会場には作家の言葉を文章にしたキャプショ ンが張られていた。そこには「自由」「イメージ」といったどこにでも見られるありふれた言葉。しかし、これまで書いてきたようなことを念頭に改めてこの言 葉に向かうと、作家佐藤貢氏にとっての『自由』『イメージ』というものが、単なる抽象的な概念としてではなく、地肉の通ったもの、ひとつの生き方として感 じられてく想いがした。
展覧会は6月26日(日)まで
名古屋市東区葵2-3-4三光ビル1F
ギャラリー フィール アート ゼロ
http://www.life-deco.net/
(アドレスをクリックするとギャラリーのホームページにリンク)。
関連タグ展覧会
■今回展示される作品はどのような作品になりますでしょうか?
■DMを拝見する限り、抽象的なコラグラフ中心でしょうか?
■全部で何点くらいになりますか?また、新作でしょうか?
作品の制作意図については後で述べますが、造形的な特徴としてはDMに掲載した作品と共通したもので統一しています。技法で分類すると、コラグラフによる抽象的が11点、版画以外にコラージュによる抽象的な作品4点、となります。全版画作品およびコラージュ作品1点は昨年12月以降の作品、新作です。わたしにとって個展は、これまでやってきたいろいろなことの発表、ではなく、ひとつの問題意識で統一されたものにしたいと考えていますので、基本的に、今回の個展に展示するために制作したものばかりです。コラグラフは、他の版種と異なり版を作るにあたり、様々な働きかけをすることができます。例えば木版画であるなら、版に対する働きかけは「彫る」という行為に限られてきます。エッチングであるなら、針で描画するということが中心です。しかしコラグラフにあっては、塗る、切る、貼る、盛り上げる、削る、引っ掻く、ドリルで穴をあける等々、版を作る行為が実に多種多様です。作家にとって作品に働きかけることは、世界に働きかけることの縮図です。その意味で世界への働きかけかたが豊富であり、アイデア次第でそれぞれの働きかけ方をクリエイトしていける(それにおうじて表現効果も豊かに、個性的になる)ところが魅力だと思っています。それが、私がコラグラフで作品を制作する理由です。
■素材や特筆すべき大型作品などがございましたら、具体的に教えて頂けますと助ります。
変形の画面のカタチにカットした厚紙あるいはシナベニヤを基底材とし、その表面にアクリル絵具系のモデリング剤を盛り上げたりコラージュしたり引っ掻いたりしてして凹凸を作り版にしています。凹部に詰めたインクで刷る凹版の部分、凸部に乗せたインクで刷る凸版の部分、その両方を併用した部分があります。今回展示する作品の中で特に特筆すべき作品があるわけではありませんが、今回展示する作品の原点となった、という意味でDMに掲載した作品は特別な作品です。
■何かモチーフやテーマがございましたら、教えてください。
■これまでの作風と変わった点がありましたら、そちらも是非知りたいです。
DMでご覧いただけるように私の作品には「人物」だとか「風景」と言った、具象的な要素は登場しません。私の作品の中に見ることのできるものといえば、矩形とか三角といった形態、あるいは「マチエール」という面の表情、風合いのようなものだけです。しかし、私は矩形や三角を見せたくて作品を作っているわけではありません。私が表現したいのは『関係』です。『関係の在り方』です。音楽、そのなかでも作曲ということに例えると少しはわかりやすくなるかも知れません。ひとつひとつの音符自体はさして意味や表現力を持つものではありません。しかしその音符をいくつか集め配置する、先行する音符に対してこのように位置づけよう、同時に発声する音符に対してこのような関係にしよう…そのように音と音の『関係』を操作することによって音響的な表情が生まれ、音楽表現になっていきます。それが『作曲』ということだと思います。音楽は「音」の芸術ですが、音楽を聴いて誰も、「実在の音、例えば鳥の声、川のせせらぎそっくりでないからその作品は下手だ」などという人はいません。極論すれば他のどこかの音ではなく、まさにそこにある音と音の『関係』が、その作品によって表現されていることの全てなのです(加えて音色)。そして造形によって表現する、造形を味わう、ということも根底にあるのはそういうことだと思います。
私が、鑑賞者のみなさんに私の作品で味わってもらいたいのもそのようなものです。音楽を味わうようにそこにある『関係』が醸し出す表情、佇まいを味わってもらいたいのです。『関係』こそが表現の主体であるからこそ、関係を表すためのパーツは「矩形」とか「三角」とか、それ自体があまり意味合いを含まないものがふさわしいのです。
「organum」。DMに掲載した作品をはじめ8点にこのタイトルをつけました。organumとは、中世ヨーロッパの音楽、対位法音楽の初期の素朴な形式、対位法の原点となるよう合唱技法のことです。「対位法」とは、まさに『関係』の技法です。この「organum」という言葉に触発され、造形でそれを行った(私なりに)結果として生まれたのが今回の展示作品、ということです。会場には私が作った楽曲をBGMとして流しています(これらの曲には中世の「organum」と音楽的な類似性はまったくありません)。そこに展示された作品と同じ問題意識、同じ感性、同じバランス感覚から生み出されたものであり、私の造形と音楽は同じ摂理から生じた、例えるなら「雨水」と「雨音」のような関係にあり、それゆえ響き合うのです。
これまで述べてきたような問題意識はずっと一貫しているものです。今回の作品についてだけのことではありません。その中で今回出品する作品において特徴的なことは、ほとんどの作品に屋根の勾配のような造形要素を配し、家屋、建造物のようなイメージの造形で統一感を持たせたことです。家屋そのものを表しているわけではありませんが、これまでに述べてきたように、命のないはずの音が、豊かな関係の中で音楽となり生命感を感じさせるように、関係に満たされた空間は「命の器」というイメージとなり家屋のイメージが結びついていきました。
これまでの作風と変わった点は大きくはありません。一貫してこのようなテイストの作品を作っています。ひとつ言えるのは、「変わった」というよりも、展覧会ごとにこのように某かのイメージを基に統一感ある展示にしていますので、前の展覧会、その前の展覧会とも「変えている」という意識はあります。
関連タグ展覧会
山口雅英展 <コラグラフ>
2011.04.09/土 〜04.23/土
日、月休み
一版多色凹凸版木版画(コラグラフ)と平面造形作品小品を展示します。
会場:ギャラリーA・C・S
名古屋市中区栄1丁目13-4 みその大林ビル1F
会場となるギャラリーA・C・Sのホームページです。
http://www.geocities.jp/acs235/
関連タグ展覧会
46人の作家さんの作品は次のホームページでスライドショーで見ることができます。
http://www.alishan-organics.com/Alishan2010_organics_jp/?p=2333
さて、私を推薦してくれた豊橋市のギャラリーサンセリテでは12月4日〜19日が会期になっています。
ギャラリーサンセリテのホームページアドレス
http://www.sincerite.info/
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